音楽室

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音楽室 ORIGINAL LOVE ”夢を見る人”

 

”夢を見る人”を収録したアルバム、”RAINBOW RACE”は、1995年にリリースされた。

 

ORIGINAL LOVEと言えば、名曲”接吻”の大ヒットで知っている人も多いかと思うが、”RAINBOW RACE”は、良い意味でも悪い意味でもORIGINAL LOVEの転換点となった作品だった。

 

と言うのも、この作品を最後に、木原龍太郎さん(キーボード)、小松秀行さん(ベース)、佐野康夫さん(ドラム)という主力メンバーが脱退し、以後の作品は、田島貴男さん(ボーカル、ギター)の個人プロジェクトのような感じで、それまでのジャジーでキャッチーな路線とは違ったものになっていったからである。

 

個人的には、初期のORIGINAL LOVE、というか田島貴男さんは、自分の音楽的嗜好に決定的な影響を与え、高校生の頃にその後にジャズを聴くようになるための素地を作ってくれた人で、いまだに「さん」を付けないとどうにもしっくり来ないような、尊敬してやまない存在である。

 

そんな、田島さんを尊敬してやまない人間なので、「田島貴男の何が良いのか」と聞かれても、「全てが最高で何もかもが良い」というのが率直なところなのだが、自分なりに思っていることを書くと、実は、田島さんの書く詩があまりにも良いのである。

「しなやかに風は 君の髪をとかし 誰も知らない場所へと 吹きぬけてく

ああ しなやかに風は 僕のなかをぬけて 誰も知らない場所へと ただ吹きぬけ 願いをかなえる」

これは”二つの手のように”の歌詞だが、聴いていると、まるで実際に目の前に夏の夕暮れの海辺が広がっているような、そんな感覚になる。

「誰も知らない場所」と言っているが、二人がいる場所は、当然二人にとってはどこなのか知っている場所であるし、この世に「誰も知らない場所」というのは基本的に無い。

 

とすると、「誰も知らない場所」とは何なのか。おそらく物理的なものではなく、二人の記憶の中ということになろうか。

 

 

これは”砂の花”という曲で、もう曲名が既に十分に詩的なのだが、「最初の恋のように 振るまえたらいい ただの奇跡さ」という歌詞が出てくる。

 

この一節で何が良いのかというと、「ただの」と「奇跡」というのは本来結び付かないものなのに、それをサラッと組み合わせてしまっている。こういう詩は、論理的に突き詰めて考えても絶対に思いつけない類のもので、もう、田島さんの天才的なセンスの発露としか言いようがない。

 

さて、それなら、”夢を見る人”はどうであろうか。

 

”RAINBOW RACE”というアルバム名を直訳すると、「虹を追いかける競争(あるいは、虹を追いかける種族・民)」という程度の意味になるのだろうが、”夢を見る人”の歌詞は、このアルバム名、つまりこの作品のテーマとつながっている。

 

現代思想的に言うと、今の社会というのは、個人の存在意義、自己同一性などといった、哲学において当たり前のものとされていたものが失われた社会である。要は、例えば、江戸時代ならどこどこ村のだれ兵衛さんは、百姓の家に生まれたなら百姓をすれば良いし、商人の家に生まれたなら商人をすれば良くて、そうすることを周囲の人間も期待したし、そうすることで社会から「自分らしさ」を与えられ、自分の存在を強く社会に定義づけし、充足感に満たされたわけである。

 

しかし、現代社会ではそれが失われた。人は「(実際はお金と才能にも影響されるが、少なくとも社会から何かを強制・期待されないという意味で)何にでもなれる、どこにでも行ける」自由を手にした代わりに、「自分らしさ」とは何なのだろうか、自分はどう生きるべきなのだろうか、という精神的な迷路に入り込んだ。社会と個人のつながりが薄れ、「自分の定義づけ」、「他者から見た自分」の発見が困難になった。

 

そのような社会において、人はどう生きるべきなのか。そこでのひとつの答えが、”RAINBOW RACE”なのである。

 

他者から存在意義を与えてもらうことができないのなら、自分で夢を追い続け、それを存在意義にするしかない。他者から期待されるものではなく、いわば「自分にとってだけ価値があるもの」を追いかけ、自己充足・自給自足するのである。

 

”夢を見る人”の歌詞を見てみよう。

 

「街に神話を忘れた僕等は探す 心は雲のようにかたちをかえる」

 

神話=社会からもたらされる定義づけが失われ、自分という個が曖昧になる。そこで、夢を追いかけ、見続けるしかなくなる。

 

「新しい物語 こころに描けば チケットなしでいい」

「出かけよう 荷物はいらない 何も教えられていない子供のように」

 

人が夢を追いかける時、それはつまり、社会の束縛から離れることを意味する。社会の庇護を捨てる代わりに、自由になる。ゆえに、社会とのつながり、経済性・交換価値の表象であるチケットも荷物も不要になる。

 

虹は、夢の象徴である。人は昔から虹を見て自らの幸運を信じ、願いを託した。そして、いつか虹をつかむことができれば、夢はかなうと。

 

しかし、それは決して実現しない。虹はどこまでどこまでも離れていく。虹を追いかける者は、ほとんどの場合、最後にはすべてを失うことになるだろう。

 

それでも人は、いつか虹をつかめると信じ、競争していく。

 

この”夢を見る人”の詩に、結末は書かれていない。ただ、夢を追おうとしている。しかし、その詩を読む我々は、その先の結末を予感する。

 

その詩は、さわやかであり、物悲しく、破滅的であり、美しい。

 

1995年に”RAINBOW RACE”がリリースされた時、東京中の大手CDショップのウインドウを、鳥の群れの中で踊る女性の写真が埋め尽くした。

 

”接吻”で高まった人気は、ここで爆発し、ORIGINAL LOVEはミスチルなどと同じような地位まで上がるはずだった。

 

しかし、この作品は、それまでのキャッチ―な路線とは明らかに異なっており、賛否両論となって、多くのライトなファン層は落胆し、サッと離れていった。

 

私も、楽しみにしていた”RAINBOW RACE”を初めて聴いた時、田島さんがどうしてこの時期にこういう作品を作ったのか理解しかねたし、ファンの1人として、ORIGINAL LOVEがミリオンセラーを連発するようなチャンスを自ら手放したことに複雑な想いを抱いた。

 

しかし、その後、何度も何度も、それこそ数百回と”RAINBOW RACE”を聴いた末に出した結論は、「この作品は紛れもなく傑作だ」という評価だった。

 

この作品が世に送り出されて、既に25年が経った。その間、多くのジャズを聴き、歴史的な名演と言われる演奏を聴いてきた。

 

それでもなお、私はたまにこのアルバムを引っ張り出してきて聴いているのである。

この、力強く、土ぼこりの匂いがする”ブロンコ”という曲から始まる作品は、あきれるほどに傑出し、形容しがたいほどに美しい。

 

-住吉-

音楽室 Zoot Sims ”You Go To My Head”

”ZOOT SIMS IN PARIS” Released on 1961(United Artists Records)

 

Personnel:Zoot Sims (tenor sax)、Henri Renaud (piano)、Bob Whitlock (bass)、Jean-Louis Viale (drums)

1 Zoot’s Blues

2 Spring Can Really Hang You Up The Most

3 Once In A While

4 These Foolish Things

5 On The Alamo

6 Too Close For Comfort

7 A Flat Blues

8 You Go To My Head

9 Savoy

 

若い頃は誰しも、明るい未来を夢見て、「どういうふうに生きたいか」を考えるものだろうが、ある程度の歳になると、ふと「どういうふうに死にたいか」を考えることがある。

 

ズート・シムズは主に1950年代から1960年代にかけて活躍したテナー・サックス奏者で、ベニー・グッドマンやスタン・ケントンなどのビッグバンドの一員として作品を残すとともに、自らのリーダー作で数々の名盤を世に送り出した。

 

レスター・ヤングを手本とし、ビッグバンドを主戦場にしていた奏者なので、オーソドックスな癖のない演奏スタイル。逆に言えば、激しく創造的なアドリブは少ないということであって、そこは、人によっては「古臭い」と感じるだろう。

 

個人的には、テナー特有の音の重さ・パワーに加え、その音には叙情的な「歌心」が溢れていて、大好きな奏者である。”You Go To My Head”は多くの奏者が演奏したジャズのスタンダードであるが、遥か遠い過去から響いてくるようなズートのこの音は、いつ、何度聴いても胸に迫るものがあり、傑出している。

 

同時代をウェスト・コースト・ジャズのベーシストとして生き、ズートと親交があったビル・クロウの話(村上春樹が翻訳した作品あり)では、ズートはとてつもない大酒飲みで、ベロンベロンになって最後には演奏できなくなるまで飲んだらしい。

 

そして、いつも冗談を言って豪快に笑い、誠実で、誰からも好かれる好漢だったそうだ。

 

毎晩毎晩、力いっぱいテナーを吹きまくり、飲んで、笑って、皆から愛される。ある意味、理想的な人生だったのだろう。

 

ズートは1985年に59歳で亡くなったが、晩年のこんなエピソードがある。

 

ある日、大酒飲みが祟って体を壊し、入院したズートを心配して、クロウら昔の仲間数人がズートの病室を訪れた。

 

ところが、既にズートには、自らの病室のドアを開ける力すらも残っていなかったのである。

 

クロウ達は、ガッシリとした体格で豪快に笑っていた若き日のズートを思い起こし、その痛ましい姿に言葉を失った。

 

しかし、ズートはそんな仲間の気持ちを察したのか、立ちすくむ皆に向かって、こう言って笑った。

 

「やあ、こんなに重いドアは、世界中探してもどこにも無いね」

 

昔のジャズの巨匠達には様々な常識外れのエピソードがあるものなのだが、この短いエピソードからは、クロウ達がどれほどズートという好漢を愛し、その死を悼んだかが感じ取れて、最も心に残っているもののひとつである。

 

話を冒頭に戻そう。

 

「どういうふうに死にたいか」については、人によってそれぞれ答えは違うだろうし、明確なイメージを持つのは難しいであろう。

 

ただ、それなりの時間を生き、それなりに周囲の人々の生き方・死に方を見てきた今、(酒は付き合いでしか飲まないが)自分にとっての答えは、このエピソードの中に既にあるような気がしているのである。

 

 

 

-住吉-

音楽室 EVISBEATS feat. 田我流 ”ゆれる”

 

以前、HIP HOPの話をしたので、現在の日本のHIP HOPがどんな感じなのかというのをご紹介。

 

何気ない日常の出来事を大切に歌う。しっかりと地に足のついた感覚。

 

今の日本の音楽で一番世界に通用する分野じゃないかと。youtubeのコメント欄を見ていると、日本のHIP HOPのファンだっていう外国人が結構いる。まあ、それ以上に、外国人で山下達郎さんとかの、昔の日本のポップスのファンだっていう人はいっぱいいる印象ですが。

また「クリックするのもめんどくさい」っていう皆さんのために私が調べておきましたが、ラッパーの田我流は「でんがりゅう」って読むそうです。

 

 

 

-住吉-

音楽室 Kenny Burrell ”God Bless The Child”

 

Kenny Burrell ”God Bless The Child”   (1971 ,CTI Records)

1 Be Yourself
2 Love Is The Answer
3 Do What You Gotta Do
4 A Child Is Born
5 God Bless The Child
6 Ballad of the Sad Young Men
7 Lost in the Stars
8 A Child Is Born [alternate take]

多くの命が失われた時代、その音は命の誕生を謳(うた)った

 

1955年に始まり、多くの戦死者・犠牲者を出しながら長期化・泥沼化したベトナム戦争は、1975年に南ベトナムの首都であったサイゴンが陥落したことで、ようやく終結した。

 

この、焼け焦げた木々の中を飛ぶヘリのジャケットが印象的な、ケニー・バレルのアルバムは、ベトナム戦争後期の1971年にリリースされたものである。ジャケット、曲の構成、そして何よりもその演奏を聴けば、バレルがこの作品により人々に何を訴え、問いかけようとしたのかは、明らかであろう。

 

バレルと言えばジャズ・ギターの巨匠であり、様々な「名盤」とされる作品を残してきたが、個人的には、このアルバムこそがバレルの最高傑作だと思っている。

 

特に、4曲目の”A Child Is Born”は傑出しており、稀なる名演である。

 

20代の頃、ブルーノート東京で、バレルの演奏を実際に聴く機会があった。あるピアノトリオにゲスト参加していたバレルは、ライブの途中でスッと現れ、紹介に対して恥ずかしそうに笑い、数曲演奏すると、来た時と同様に、大げさな身振り手振りもなく、自然な態度でステージを後にした。

その姿は、彼の人柄を反映したものなのか、そよ風のように穏やかだった。

 

-住吉―

 

音楽室 The Bud Shank Quartet “Bag of Blues”

The Bud Shank Quartet  (1956, Pacific Jazz Label)

 

 

 

バド・シャンクは不運な人だ。白人アルト奏者として当時トップクラスの地位にありながら、同時代にアート・ペッパーというアドリブの天才がいたために、常にその後塵を拝し続けた。

 

しかし、個人的には、ペッパーよりもシャンクの音が好きなのである。特にクロード・ウィリアムソン(ピアノ)と組んでいる時のシャンクは、クールで都会的で、「これぞウェスト・コースト・ジャズ」という雰囲気に包まれている。

 

フルートの演奏も得意だが、シャンクのアルトは独特の、翳があるくぐもった音で、聴き終わってしばらく寂寥感が耳に残る。

 

オリジナルのジャケットは、シャンクの姿がイラストで描いてある。

 

初めて買ったジャズのアルバムがそれだった。

ジャズ・ファンの間でもあまり俎上に上がることがない作品だが、まぎれもなく名盤。

 

―住吉―

 

音楽室 Hip Hopが映し出す「今」 Gas-Lab & Traum Diggs ”Jazz Hop”

 

日本だと、”ヒップホップ”と聞くと、多くの人は「だらしない格好をした生意気そうな若者がウェイウェイやってる」ような印象を抱くのかもしれない。

 

確かにアメリカでも、ヒップホップ誕生当初は、ギャング風で(と言うか、彼らは本当に命がけの抗争をしていた)、デカいアメ車に派手なおねーちゃんを両脇に乗せて、ゴツいゴールドのアクセサリーをつけ、攻撃的な歌詞で「自分がいかにタフな人間で、敵対勢力を倒して成功を手に入れたか」を誇示するアーティストが多かった。いわゆる、”オールド・スクール”と呼ばれるアーティスト達の時代だ。

 

しかし、1980年代後半に入ると、ヒップホップは変化の時を迎え、トラック(音楽部分)はよりメロディアスで美しく、ラップ(歌詞部分)はより内省的に深化し、身近な出来事、日常生活の喜び・苦悩・悲哀などを歌うようになる。いわゆる”ニュー・スクール”と呼ばれるアーティスト達で、De La SoulやA Tribe Called Questなどがこれにあたる。

 

特にA Tribe Called Questあたりから見られる、ジャズとの融合路線(ジャジー・ヒップホップ)は独自の進化を遂げ、一時代を築いたのであるが、ただ、そもそもジャズ自体が1970年代後半から下火になってしまっていたし、ジャジー・ヒップホップも次第に過去の音楽となりつつあるのが現状だ。

 

しかし、個人的にはこう思うのである。私が子供の頃、日本の市井の人々の生活の機微・悲哀を歌う役割は、演歌が果たしていた。ところが、日本人の生活スタイルの変化と共に、演歌の人気は衰え、音楽シーンから消えつつある。

 

そんな中で、この先、どのような音楽が人々の生活を歌い上げるのかと考えると、私はヒップホップがその役割を担っていくのだろうという気がしている。

 

独自の進化を遂げ、より深みを、説得力を増した最近の日本のヒップホップを聴いていると、そういう潮流を感じるのである。加えて、今の若者達は、私たちの世代よりもさらにラップというものに強い親近感を抱いているはずだ。

 

さて、翻って、本国アメリカなどのヒップホップがどうなっているのか、ということで紹介するのがGas-Lab & Traum Diggs。日本ではなかなか音源が手に入らないので詳しいことはよくわからないが、Gas-Labはアルゼンチンで活動しているトラックメイカー、プロデューサーで、Traum Diggsがアメリカで活動しているラッパー、ということらしい。この作品は、Traum DiggsのラップをGas-Labがアレンジしたもので、アメリカの人々のリアルな息遣い、「今」を映し出す、美しい、極上のジャジー・ヒップホップになっている。

 

 

 

 3曲目の”My Journal”のTraum Diggsの原曲はこちら。

 

 

Gas-Labのアレンジ後のそれとはかなり異なる印象を受ける。こういう、原曲との変化を楽しむのも、ジャズなどの音楽の面白さのひとつ。

 

 

 

-住吉-

音楽室 台湾の女性R&Bシンガー 9m88 ”BB88”

 

今回は台湾人の友人に教えてもらった、台湾人女性シンガー、9m88の紹介。

9m88って何て読むんですか?

 

と皆さん当然疑問に思うでしょうから、「クリックするのもめんどくせぇ」っていう北斗の拳のゲイラ様みたいな皆さんがクリックする労力を減らすため、代わりに私がググったところ、「ジョウ・エム・バーバー」って読むそうです。

確かアメリカ留学でジャズを学んだとか(←友人達とはつたない英語でやり取りするので、詳しいことはあまり知らない)。背が高いのでそういう名前にしてるみたいですね。

日本のポップスをカバーしたり、わざと80年代、90年代っぽいファッションと映像のMVを作ってみたり。売れるものを作るというより、「自分が作りたいものを作る」っていう姿勢があって良いと思います。

 

こういう気だるいジャジーな曲も良い。髪型爆発してるのでよくわからないかもしれないですが、美人です。

 

 

まあ映像のセンスはアレですが、あくまでも「わざとやってる」ものですからね、これは。

 

台湾では本格派のシンガーとして徐々に人気が出て来ているそうなので、注目してみては。

-住吉-

音楽室 Delvon Lamarr Organ Trio “Move On Up”

 最近ヘビロテで聴いていた演奏です。1曲目の”Move On Up”は、Curtis Mayfield(カーティス・メイフィールド)の1970年のヒット曲。

 個人的に、オルガントリオはとても好きな構成。ピアノトリオに比べて一気にファンクな印象に。

 まあ、原曲がやっぱり押しも押されぬ名曲ですから、良くないわけがありません。

 

 

それはそうと、いつも私のわけのわからない趣味的な話ばかりでは何でしょうから、そろそろ事務員さんにも何か書いてもらおうかと思ってます。

-住吉―

音楽室 Bill Evans “ALONE”

Bill Evans  “ALONE” (1968,Verve Records)

 1 Here’s That Rainy Day
 2 Time For Love
 3 Midnight Mood
 4 On A Clear Day (You Can See Forever)
 5 Never Let Me Go

 6 Two Lonely People

「苦労の末に形になったものを、僕は信用する。」~ビル・エヴァンス~

ポール・モティアン、スコット・ラファロとのトリオでジャズに変革をもたらした、ビル・エヴァンスのソロアルバム。

「僕は、『芸術は魂を豊かにするものでなければならない』という信念を持っている。その人自身も存在に気づいていなかった、『自分自身の一部』を照らし出して、教えてあげること、それこそが芸術の真の使命だ。」

エヴァンスの作品は聴きやすいので、ジャズ初心者用に推薦されることも多いのですが、そのせいで、「エヴァンスなんて初心者が聴くもの」みたいな風潮が一部にあります。

 私自身は、最初ウェストコースト・ジャズから聴き始めたので、クロード・ウィリアムソンあたりのピアニストが好きでしたが、エヴァンスに出会ってからは、自分の中の最高のピアニストは、常にエヴァンスであり続けました。

彼のピアノの音は、一見表面は整然として静謐です。しかし、自分にとっては、このアルバムの2曲目の”Time For Love”などもそうなんですが、オープンな気持ちでじっくり聴き入っていると、時折急に感情がザワついて来て、普段は忘れてしまっている昔の思い出が、一気に噴き出して来ることがあります。

 それはまさに、彼の言葉通り、「自分自身の一部」を照らし出し、「そこに『それ』がある」と教えてあげる、ということなのだと思います。

 かつて現代思想は、人間の中に無意識の領域を発見し、「人間とは、従来哲学で考えられていたような、合理的な生き物ではないのではないか。人間の中には、表面の合理的・理性的な部分の奥に、広大な無意識の領域があり、人間の本質はむしろその領域にあるのではないか。」という問題を突きつけました。

 エヴァンスの音というのは、上述したように、一見表面は美しく整っていているのですが、その奥に、無意識の領域の狂気・混沌のようなものが宿っているように感じられます。

 その、地下深くの無意識の水脈から汲み上げられてきた音が、聴き手の無意識の領域に触れて、その人が普段忘れてしまっている思い出に気づかせてくれるのだと、私は理解しています。

音楽室 Beverly Kenney ”Snuggled On Your Shoulder”

”Snuggled On Your Shoulder” Beverly Kenney 1955

1 Tea For Two
2 There Will Never Be Another You
3 The Things We Did Last Summer
4 Moe’s Blues
5 Can’t Get Out Of This Mood
6 The Surrey With The Fringe On Top
7 Snuggled On Your Shoulder
8 That’s All
9 Ball And Chain (Sweet Lorraine)
10 A Foggy Day
11 Gay Chicks

今や多くの音源はYoutubeで聴くことができるので、興味がある方は探してみてください。権利団体に収益分配される適法な動画で。

ベヴァリー・ケニーは1950年代にいくつかの作品を残した白人の女性ヴォーカリスト。少し鼻にかかったような、幼げで儚い声質と、その美貌により、メジャー・デビュー前から非常に評価が高かったようで、当時将来を嘱望された歌い手の一人だった。

ところが、いよいよ人気が高まり「これから」という時期だった1960年、彼女は自殺してしまう。

歌の才能と美貌に恵まれた彼女がなぜ自ら命を絶たなければならなかったのか、今となっては誰にもわからない。近しい人の言葉によれば、彼女は潔癖かつ物静かな人で、自分が麻薬とアルコールにまみれた当時のジャズ・シーンに身を置いていることについて、いつも悩んでいたという。

この”Snuggled On Your Shoulder”は、彼女のメジャー・デビュー前の1954年に録音されたもので、指示を受けながら歌い出しの練習をしたりする場面も収録されており、ピアノだけをバックに、とてもリラックスした、シンプルで明るく伸びやかな歌声を聴くことができる。

単純に歌の上手さで言えば他にも優れた人はたくさんいるが、彼女のフレージングには独自の才能の輝きが感じられ、愛らしい声質も相まって、個人的にかなり愛聴した作品。黒人ヴォーカリストにありがちな、技巧に走り過ぎるようなところもなく、原曲に素直な解釈でとても聴きやすい。

特に3曲目の”The Things We Did Last Summer(過ぎし夏の思い出)”は出色のデキである。

-住吉-